Fronteras y cuerpos: la responsabilidad de mostrar el dolor

La palabra “frontera”, antes de referirse a la delimitación entre Estados, indicaba la línea de un frente militar. Hoy, crecer en territorio ya no es tan importante para las naciones, pero sí tener acceso a zonas ricas en recursos naturales o con valor estratégico. En estos lugares se crean espacios donde el arte discute la desigualdad y el control territorial. Los trabajos de Ana Teresa Fernández y AlfredoJaar presentan esas realidades, considerando factores como la movilidad, la exclusión y el poder.

Ana Teresa Fernández (1981) nació en Tampico, Tamaulipas, y emigró con su familia a Estados Unidos cuando tenía once años de edad. Estudió en el San Francisco Art Institute, donde obtuvo una licenciatura y una maestría en Bellas Artes. Una de sus piezas más conocidas es Borrando la frontera (2011), realizada sobre el muro que divide las playas de Tijuana y San Diego. La artista pintó de azul una parte de este para que se confundiera con el cielo y el mar. Así, la división desaparece y el paisaje es continuo,  mostrando que la frontera no es un límite natural.

La obra de Fernández analiza las políticas migratorias y la desigualdad que estructuran el régimen fronterizo entre el norte y el sur del río Bravo. Aunque en el contexto de la globalización existen procesos de eliminación de barreras para los flujos económicos, las fronteras son inherentemente excluyentes para las poblaciones migrantes.

En el performance At the Edge of Distance (2022), del cual se desprende una serie de pinturas, Fernández trabaja nuevamente entre Tijuana y San Diego. Aquí aparece envuelta en una manta espacial —desarrollada por la NASA—, cuyo material brillante oculta su cuerpo. Este tipo de manta fue creado originalmente para proteger astronautas, pero hoy se utiliza para aislar cuerpos en centros de detención y espacios de confinamiento para migrantes. Su superficie, entonces, simula la desmaterialización y la pérdida de  identidad. La obra relaciona el espacio fronterizo con las condiciones de separación, distancia y aislamiento por las que pasan muchos migrantes.

DESPOJAR DE VOYEURISMO LA MIRADA

Alfredo Jaar (1956) es un artista visual chileno radicado en Nueva York. Su trabajo consiste principalmente en instalaciones que combinan fotografía, arquitectura y elementos teatrales. Estudió cine en el Instituto Chileno Norteamericano de Cultura y posteriormente arquitectura en la Universidad de Chile, formación que influye en el carácter espacial y conceptual de sus proyectos artísticos.

A comienzos de la década de 1980 inició en Chile con obras como Estudios sobre la felicidad (1979–1981). En 1982 se trasladó a Nueva York, donde desarrolló una trayectoria internacional que lo llevó a participar en importantes exposiciones, entre ellas la Bienal de Venecia de 1986 con la serie Gold in the Morning (1985), realizada a partir de fotografías tomadas en la mina de oro de Serra Pelada, en Brasil. Estos trabajos muestran su interés por visibilizar condiciones de explotación y desigualdad.

Entre sus propuestas más relevantes se encuentra Proyecto Ruanda (1994–2000), donde reflexiona sobre el genocidio ocurrido en ese país y sobre los límites de la representación del sufrimiento en los medios visuales. Durante su estancia tomó aproximadamente tres mil fotografías y entrevistó a sobrevivientes. Tardó seis años en producir el material para encontrar la mejor manera de representar dichos eventos desde la ética y la reflexión crítica.

A este proyecto pertenece la instalación The Eyes of Gutete Emerita (1996), un relato acerca de una sobreviviente del genocidio seguido por imágenes repetidas de sus ojos, destacando el contraste entre lo que se cuenta y lo que se expone. La mirada de la mujer confluye entre el espectador y la memoria, develando la dificultad de la interpretación del trauma y una crítica sobre cómo suele ser expuesto mediáticamente.

Jaar analiza las relaciones de poder entre la producción, circulación y recepción de imágenes en el mundo globalizado. En Real Pictures (1995), las fotografías no son exhibidas; en su lugar hay cajas negras que contienen las imágenes veladas y en el exterior hay descripciones textuales de las escenas fotografiadas, todas ellas en un contexto violento.

De esta manera transforma la imagen en documento y lleva la atención hacia la comprensión histórica y política de los hechos, evitando el consumo voyerista de la violencia.

Otra obra importante es The Sound of Silence (2006), una instalación dedicada al fotógrafo Kevin Carter y a su famosa imagen de la niña sudanesa observada por un buitre durante la hambruna. En un espacio oscuro se presenta la historia del fotógrafo mediante texto y silencio, luego aparece un destello de la fotografía original. Este procedimiento invierte la relación habitual entre imagen y espectador, de modo que expone la realidad del sufrimiento humano.

TERRITORIO AMERICANO

Jaar también ha trabajado temas como la migración y la violencia fronteriza. En 1987 hizo A Logo for America, una obra que se presentó en el espacio público de la ciudad de Nueva York. Se basó en la observación de que en Estados Unidos se usa el términoAmérica para denominar al país y no al continente en su totalidad. A partir de ahí, Jaar realizó una animación con fotogramas dibujados a mano que unía textos e imágenes. La secuencia inicia con el contorno de Estados Unidos y la frase “ESTO NO ES AMÉRICA”; después aparece la bandera del país convertida en un dibujo lineal y junto a ella el texto “ESTA NO ES LA BANDERA DE AMÉRICA”. Luego, la Real Pictures (1995). palabra “AMÉRICA” se agranda y la letra “R” se convierte en un mapa del continente. La animación termina con la palabra completa en pantalla.

De este modo, plantea que Estados Unidos es solo una de las naciones que forman parte del continente americano y critica que se apropie exclusivamente del término “América”. Al ser presentada por primera vez, algunos de los espectadores percibieron la obra como un mensaje contra Estados Unidos. Posteriormente se mostró en diferentes ciudades y su interpretación varió según el lugar y su contexto sociopolítico. En lecturas recientes, la pieza se ha asociado a los debates sobre inmigración latinoamericana y las políticas fronterizas.

The Cloud (2000) es un proyecto que se llevó a cabo en Tijuana en memoria de las personas que murieron intentando cruzar la frontera entre México y Estados Unidos. El artista utilizó globos blancos para representar las vidas perdidas, creando un monumento efímero que ofrecía un espacio para el duelo. La instalación incluyó música, lectura de poesía y momentos de silencio, permitiendo que el público interactuara con la obra.

El trabajo de Fernández y Jaar muestra que la imagen es una herramienta que condiciona la visibilidad y la comprensión pública de la violencia. Sus propuestas reubican la mirada y cuestionan las formas habituales de representar el dolor, modificando la recepción pasiva de imágenes y situándose en un marco ético donde mirar implica tomar posición ante lo que se ve.

La trayectoria artística de ambos se relaciona con los argumentos de Susan Sontag en Ante el dolor de los demás, donde afirma que las imágenes de violencia no generan por sí mismas comprensión ni empatía, ya que su significado depende de contextos históricos, culturales e interpretativos. Observar el sufrimiento implica responsabilidad respecto a cómo se mira, cómo se recuerda y cómo se construye sentido en torno al dolor.

nyapo8@gmail.com